Capítulo 1: Animación de Autor
Para poder entender un poco la animación de autor se necesita comenzar primero por definir la animaciòn ortodoxa, o bien la producida “en masa” y comercial:
1.1: Términos y Condiciones de la Animación ortodoxa
Segùn Paul Wells en su libro Understanding Animation:
Configuración: Sus personajes son identificados fácilmente como la figura humana ortodoxa o creatura.
Continuidad Específica: Presenta una continuidad lógica priorizando el personaje y el contexto.
Forma Narrativa: Se refiere a plantear una historia basada en el conflicto del personajey y en sus poteriores consecuencias.
Evoluciòn del contenido: Sólo atrae la atención a su construcción, especialmente en el caso del texto hiperrealista de Disney. Raras veces atrae su atención al material y diseño del que esta hecho.
Unificación de estilo: Por sus propiedades formales la caricatura animada tiene que ser consistente pocas veces se mezclan diferentes técnicas y si están mezcladas son asi para siempre. Podemos citar al Chavo del 8 animado cuyo fondo se trata de una imagen creada en 3D pero cuyos personajes estan siempre en 2D, y aunque esta mezclado, su estilo se mantiene siempre.
Dinamismo de diálogo: A pesar de que el fundamento de las caricaturas se basa en su compromiso con la acción, el personaje se define en aspectos clave del diálogo. En general usa para apoyar los chistes visuales y para crear un tipo especìfico de sonido, característico de las caricaturas.
Ausencia del autor: Los principios generales deben ser consistentes. El “estilo” es mas importante que aquél que lo creó. Y esta es la característica principal que la diferenciará de la animación de autor.
En un ensayo sobre la figura del artista en las animaciones convencionales o bien ortodoxas, se señala que el autor, se diluye por el carácter comercial y empresarial de la producción de animación. Esto refuerza el último punto señalado en la primera definición de las características de la animación ortodxa.
Cabe señalar que no hay autores independientes puros en forma estricta. “Ningún animador actual puede vivir exclusivamente de las ventas de sus obras personales. En realidad todos necesitan que parte de su trabajo sea comercializable, o si ese no es el caso, encuentran su principal fuente de ingresos en la docencia. Un caso es Bill Plympton que vive de sus encargos para publicidad, actividad que le permite financiar sus filmes personales y dedicarles gran parte de su tiempo.” (García, 2006)
1.2: Definición de Animación de Autor
De las pocas y variadas definiciones que se encuentran sobre el cine de animación de autor están:
Según la definición de Wikipedia: Ésta surge del trabajo personal de uno o de unos pocos animadores. Algunos se valen de las nuevas tecnologías para simplificar la tarea.
Carlos Loiseau en entrevista con Horacio Bernadés lo define de la siguiente forma: “... el cine de animación de autor, muestra el sentimiento, el pensamiento de los realizadores, no de las megaproductoras”
La animación de autor es un tipo de animación que se presenta como una forma alternativa de expresión artística, que rechaza los métodos convencionales de producción y experimenta con una infinidad de líneas narrativas y estéticas visuales pues ella lo que busca es alejarse de las grandes industrias, sus millonarios costos de producción y la limitación creativa y artística a la que está ceñida. (Rodriguez, 2012)
La animación de autores independientes, creada en principio no con fines comerciales, sino expresivos, artísticos, comunicativos o como transmisores de valores culturales. Es la senda seguida por animadores como los del National Film Board Of Canada.
En general se reducen a que la animación de autor es un hecho puramente artístico o comunicativo.
Un blog chileno que habla de la literatura infantil y el cine de animación dice al respecto: “Es el llamado Cine de animación de autor o artístico que es de factura generalmente europea, inglesa, alemana, y de los países nórdicos. Estas animaciones participan en los Festivales Internacionales de Cine de Animación, siendo el más importante el Festival Internacional de Cine de Annecy, Francia, y se les ve en la TV de los países desarrollados” (Barry, 2001)
Cuya descripción no me convence pero que me ayuda a dar con otro término, el cual se refiere a la animación artística, en la cual cabe la definición de la animación experimental, y que a su vez también entraría en la definición de animación de autor.
1.2.1 Fine Art Animation (Animación Artística)
En 1987 la publicación El arte del dibujo Animado editado por Charles Solomon y publicado por el Instituto americano del Cine definió a la Fine Art Animation como un nuevo nombre de un arte que comenzó en este siglo, cuando los artistas modernos empezaron a ver a la imagen animada como un medio que podía darle movimiento a sus pinturas.
No mucho después de que McCay hiciera su primera caricatura animada: Little Nemo en 1911, Windsor Mccay en una entrevista para el Buffalo Enquirer en 1912 comentó: "Llegará el momento en el que el espectador al ver una pintura se preguntará porque todo es rígido y sin vida. Demandará acción. Y para poder responder a esa demanda el artista tendrá que ayudarse de la animación y trabajar en conjunto con la ciencia. Esto evolucionará la escuela de arte, que revolucionará todo el medio”
Leopold Survage creo una serie de pinturas abstractas en Paris, llamadas: Ritmos coloridos, patentando lo que el pensaba sería una nueva forma de arte sin embargo, falló en persuadir a la compañía de cine Gaumont Company en que filmara su trabajo en su sistema primitivo de color, lo cual hizo que abandonara su invención.
Más tarde en Berlín de la posguerra, mientras que Max Fleischer hacia su primer caricatura Koko el payaso. Tres artistas abstractos: Ruttmann, Ritcher y Eggeling, crearon sus películas que hicieron historia: Opus I, Ritmo 21 y Sinfonía Diagonal respectivamente, cruzaron lo que Survage llamó “el puente resplandeciente” del arte estático al arte en movimiento. “Cine Puro” Pure Cinema fue como se le llamó a estas primeras animaciones abstractas que ganaron el respeto de otros artistas pero que eran casi desconocidas al público en general.
En los años de 1920 y 1930, se establecieron nuevas profesiones en esta nueva forma de arte como: Oskar Fischinger, Len Lye, Norman McLaren, Alexander Alexieff y Claire Parker y Mary Ellen Bute. Ellos trabajaron en cinta de 35mm, patrocinados por agencias del gobierno sin embargo, quedaron relegados como “los ajenos del mundo del arte y también del mundo del cine”
Se caracterizan al igual que en la definición del cine de animación de autor, y por lo que entran en su definición por trabajar solos o con un equipo pequeño, raramente buscando popularidad.
1.2.2 Animación Independiente
El concepto animación independiente no es exactamente sinónimo de animación de autor. En Internet existen cantidad de pequeñas compañías de animación, muchas veces unipersonales, cuyo propósito no es tanto la comunicación y la expresión artística sino la publicidad, ya sea confesa o encubierta, de algún producto, entendiendo también como tal sus propios personajes. Como ejemplo de series de la década pasada están: Pucca de origen coreano, Happy Three Friends o Calico Electronico y de series actuales podríamos citar las del canal de youtube de Cartoon Hangover. Esto refuerza la creencia de que muchos animadores que comenzaron de forma independiente acabaron integrados en la industria, como Matt Groening o Gabor Csupo o Penddleton Ward creador de Adventure Time.
1.3: Antecedentes
Los pioneros de una vanguardia tras el monumental concepto de cine de dibujos animados de Disney, comenzó inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, anterior a esta época, hubo en Europa y Asia avances que quizá no se mencionan en la totalidad de la historia de la animación sino cuando uno se enfoca a diferentes estilos en la animación. Entre ellos están, de acuerdo a las siguientes regiones los siguientes autores:
1.3.1: Animación en Europa
Emile Cohl nacido en Francia y siendo aprendiz de joyero, se sentía mejor dibujando. En 1885 se nombra así mismo como ilustrador y fotógrafo. De las pocas películas que se salvaron del incendio de su estudio esta: Cerillos Hechizados (1908) hecho con cerillos que se transforman en diferentes formas. Otra lleva el título Fantasmagorie (1908) y esta hecha a base de dibujos que hizo con líneas negras y que posteriormente imprimió en negativo pues decidió que se veían mejor. Este proceso se le llamó “El pizarrón viviente”. Cohl combinaba cine de acción viva junto con animaición.
Entre 1916 y 1922 Victor Bergdahl, creo una serie d 13 episodios de su trabajo llamado Kapten Grogg Aventyr, inspirado en el panel de Charles W. Kahles The Yarns of Captain Fibb.
En 1910 el pionero de las marionetas, y esencialmente quien estableció la animación de stopmotion fue Ladislas Starewitch creó Battle of the Stag-Beetles, usando insectos preservados para la reconstrucciòn del comportamiento de apareamiento nocturno de los insectos. Fue inspirado por el trabajo de Emile Cohl.
En 1919, como Viking Eggeling creo Orquesta Vertical y Sinfonía Diagonal (1923) aunque ninguna fue publicada. Fueron muy importantes sus aportaciones en el plano de la animación experimental. Su pieza mas remarcable fue The Cameraman’s Revenge (1912) que hablaba de los amores de la sra. y sr. escarabajo.
En Alemania Lotte Reiniger usó la técnica del teatro de sombras chino para crear The Ornament of the Lovestruck Heart (1922). En 1926 junto con su esposo hizo “Las aventuras del principe Ahmed” con la misma técnica de siluetas. Posteriormente creó Dr. Doolittle y sus animales (1927) en 1936 trasladándose a Inglaterra siguió produciendo y adaptando cuentos clásicos pero añadiéndoles color y música.
En Gran Bretaña. George Studdy, crea a “Bonzo” el perro. Al principio salió en historietas y se hizo muy popular que en 1924 y 1925 se hicieron 24 caricaturas de Bonzo.
En Italia, los dibujos animados comienzan en 1929, con los hermanos Cossio y “Tompitt” su primer éxito, junto con “Los bandidos del Far Prest”, posteriormente realizaron “zibillo el oso” y otros cortometrajes didácticos. En 1942 se funda “Macco Film” por Luigi Giobbe los cuales crearían la serie de “Pulcinella nel bosco” y otros cortometrajes con el mismo personaje. En la posguerra destacaron los hermanos Pagot creadores de “I Fratelli dinamita” (1948) y Anton Gino Domeneghini, autor de la “La rosa di Bagdad” (1948).
Fueron los países del ex bloque socialista (URSS, Alemania, Checoslovaquia) quienes desarrollaron la característica social y política a través de la animación. Comenzaron con historias que hablaban de tiranos, represiones, violencia, guerras y avaricia. En la unión soviética esta Dziga Vertov que creó Soviet Toys (1924). Mikhail Tsekhanovsky creó post Office (1929) que mostraba a carteros de diferentes lugares del mundo y que fue muy popular incluso internacionalmente.
En República Checa menciona a checos como Trnka, Zeman y Brdecka.
1.3.1.1: Zagreb Film
Zagreb tiene una gran cantidad de materia en artes visuales relacionadas con películas de animación. Desde los años 20 hubo intentos de hacer un cine de animación en la publicidad y en el ámbito educativo. Pero no fue hasta 1950 cuando se comenzó a producir el primer cine de animación en Croacia, The Big Jamboree, se termina con una duración de 20 minutos. En vista de su éxito, el gobierno de Croacia creó la Duga Film Company (Rainbow Film Company), especializada en cine de animación, en la que se enseñaba a nuevos dibujantes, animadores, pintores, decoradores y en la que se produjeron cinco películas de animación en blanco y negro. Eso fue el comienzo de l cine de animación en Croacia y donde algunos autores relevantes en la animación internacional y croata comenzaron su carrera. Sin embargo con la crisis en 1952, el gobierno clausuró la Duga Film por ser considerado un lujo.
En 1953 la Asociación de Cineastas de Croacia funda la compañía Zagreb Film, como un lugar comprometido con todas las actividades relacionadas con el cine, desde producción a la distribución de cortos y largometrajes. Comenzando con películas publicitarias, se especializó en documentales y cortos. Gracias a ello consiguió un gran reconocimiento en los sesenta a través de su participación en numerosos festivales de todo el mundo.
En 1957 y 1958 en Zagreb tuvo lugar una consideración general del arte de la animación, con una aproximación original al dibujo y al contenido. Su primera presentación conjunta en el extranjero fue durante el Festival de cine de Cannes de 1958, desde ese momento se creo la definición de la Escuela de Cine de Animación.
En 1956 se crea el Estudio de cine de animación que logró la fama en un período de tiempo muy breve. La producción de cine de animación independiente surgió de forma natural, de modo que el final de los años 50 y comienzo de los 60 estuvo marcado por el enorme éxito de la Zagreb School of Animated Film.
Entre los numerosos premios obtenidos por Zagreb Film, esta Surogat 1962 de Dusan Vukotic que obtivo el American Academy Award como primer no americano ganador de un oscar.
El gobierno de Croacia (Ministerio de Cultura) y la Ciudad de Zagreb apoyan económicamente a la producción artística de la animación.
1.3.2: Animación en América
El primer dibujo animado se creó en Estados Unidos llamado “Gertie el dinosaurio” (1909) por Windsor McCay, luego siguio “Little Nemo” (1912). Posteriormente Bud Fisher, Pat Sullivan, creador de Félix el gato. Pero de todos los que resaltaron fueron Max Fleischer y Walt Disney. Los hermanos Fleisher fueron creadores de Bettie Boop y de Popeye, que originalmente eran para una campaña publicitaria de espinacas. Walt Disney, creador del imperio del dibujo animado por celuloide.
En Estados Unidos se menciona a Bosustow.
1.3.2.1: UPA United Productions of America
Produjeron una serie de animaciones màs hacia la plástica artística con contenidos dramáticos y nuevos estilos.
En 1941 Disney dio fin a su hegemenoìa comercial y artìstica con el nacimiento de la United Production of America (UPA), el estudi mas innovador de la era de la post guerra. Se estableciò formalmente en 1944 como Películas Industriales y Servicios de Cartel por Dave Hilberman, Zach Schwarts y Stepehn Bosstow, su primera producción llamada Hell Bent for Election for the United Auto Workers (UAW) en representaciòn de la campaña de reelecciòn de Roosevelt. El diseño de esa animación se parecìa a mchas otras caricaturas de Chuck Jones como The Dover Boys (1942) que fue de las muchas cintas del período que exhibían un estilo modern que caracterizó al sello distintivo de la UPA. Sus películas usaron una animación limitada y ponían énfasis en elmentos gráficos como el diseño y el color.
John y Faith Hubbley, después de casarse en 1955 se prometieron hacer un video independiente al año. Para hacerlo crearon en Nueva York Storyboard Productions para hacer comerciales y videos educativos. Su colaboración mutua hizo que fueran los más productivos en la época de post-guerra que ayudó a definir la animación independiente de Estados Unidos. Son más reconocidos por la animación independiente que hicieron que por los propios comerciales. Entre ellas esta Las aventuras de * (1955), que habla de la vida de un * asterisco y como su percepción de la vida cambia mientras va creciendo. En esta y en muchas otros cortos exploran un nuevo vocabulario visual, inspirado en sus propias pistas de música, esto resultó en un estilo visual libre, donde los elementos gráficos a veces parecieran que flotan en el aire. Otro trabajo importantes el ganador del oscar Moonbird (1959) de una historia de dos niños tratando de atrapar un ave de noche con un diálogo improvisado por sus hijos como sonido. Otros de sus trabajos incluyen dos cintas educacionales “Of Stars and men” (1961) , que habla de los hombres y su relación con el espacio y Windy day (1968), que explora el mundo de la niñez con las voces de sus hijas también.
Después de la muerte de su esposo, Faith y su hija Emily comenzaron la nueva generación de mujeres animadoras. Sus animaciones se tornaron mas personales que las que hizo con su esposo, menos narrativas estructuralmente y usando imágenes de diferentes culturas.
Es hasta la década de los setenta cuando empieza a haber diferentes posiblidades de animación en Estados Unidos como “Carlitos y Snoopy” (1970) de Bill Meléndez, “Fritz el gato” (1971) de Ralph Bakshi, primer film erótico de animación, Wizards (1976) y el señor de los Anillos (1978).
1.3.2.2: NFB National Film Board of Canada
En 1938 el cineasta documental británico, John Grierson, fue invitado por el gobierno de Canada para preparar un reporte de las actividades fímicas del gobierno. El reporte recomendó la fundación de la National Film Board, un año después era creada en Canadá. McLaren fue atraído a las oficinas centrales de la NFB en Ottawa, y él fue quien fundó el departamento de animación, su primera encomendación fue la película publicitaria para el correo Mail Early (1941). Formalmente la unidad de animación fue establecida en 1943, y se ha dedicado a la experimentación conceptual y técnica y a la pedagogía de la animación, consiguiendo que Canadá sea uno de los países referenciales en animación actual independiente.
Entre las animaciones de autor de la década pasada podemos encontrar:
Phil Mulloy, Intolerancia (2000) y Nina Paley, Ramayana Sita sings the blues.
1.2.4: Animaciòn en Asia
Las animaciones provenientes de américa y de Francia fuero transmitidas en Japón desde 1910 y emocionó a los creadores fílmicos amateur japoneses. La primera cinta anmiada fue producida en 1916 por Oten Shimokawa, quien dibujo directo en la cinta. Shimokawa produjó otras series de cortos de 5 minutos de duración, sin embargo al no encontrar la respuesta esperada dejó de hacerlos.
En 1917 se crearon otras dos series animadas The Battle of the Monkey and the Crab de Seitaro Kitayama, siendo una adaptación de una historia asiática y Hanahekanai’s New Sword hecha por Junichi Kouchi.
En 1921 Kitayama empezó el primer estudio de animación japonés Kitayama Eiga Seisakujo. Produjo cintas industriales y educaciones para el gobierno como: Atmospheric Pressure and the Suction Pump (1921). En 1924 se crear The Spotlight is on Shinpei Goto, creada por Junichi Kouchi, que es la primera caricatura política que hablaba del ministro encargado de la restauración de Tokyo después del teremoto.
En la época de 1929 Hakusan Kimura crea la pionera de la animación erótica con Cooling off on the Boat, siendo una deamataización de un grabado de una cortesana en un barco de 1878.
Los animadores más prolíficos y que de los que más influencia se tienen son: Sanae Yamamoto, Yasuji Murata y Noburo Ofuji. Yamamoto comenzo en los estudios Kitayama, y trabajó en The Mountain Where Old Women are left to die es la más antigua animación japonesa que existe, también trabajó en Mmotaro is Japan´s no.1 (1928). Entre 1927 y 1930 se comenzó el uso del celuloide en japón, se encuentran entre estas películas: Octopus Bones (1927), The Racoon who helped a Junkman (1928) My baseball (1930) y una película de arte llamada The Bat (1930). The legend of Son Goku (1926) fe de las primeras versiones animadas que Ofuji produció y The Whale (1927) una película de arte. Ofuji era epecialista en animar recortees de papel.
En China la primera animación fue creada en Shangaai por los hermanos Wan. Insipirada en 1923 en las caricaturas americanas. Sus primeros cortos fueron Uproar in an Art Studio (1926) y Paper Man Makes trouble (1930) que combinaban cine de acción viva y animación.
1.3: Festivales de Animación Importantes:
Festival Internacional de Cine de Animación de Zagreb (World Festival of Animated Films)
Festival de Annecy (Francia)
Hiroshima (Japón)
Ottawa (Canada)
Referencias
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